30 Seconds to Marsは、ヘヴィなオルタナティブロックを土台にしながら、どこか”宇宙的”な広がりを持ったスケールの大きい音を鳴らすバンドだと思う。

そこにジャレッド・レトの色気と切迫感を同時に帯びた声が乗ると、一気にこのバンドだけが鳴らす世界になる。

ジャレッドは俳優としてもよく知られている存在だけれど、だからといって音楽活動が片手間に感じられることは一切ない。アクターとミュージシャン。どちらの表情もとことんストイックだ。

ハリウッド俳優という派手な看板に甘えず、音そのものでねじ伏せてくる説得力がある。単なる有名人の道楽みたいなバンドではなく、ちゃんと一流のロックバンドなのだ。

そんな彼らの曲の中でも、「Attack」は私の心を一瞬で射抜いたキラーチューンだ。2005年の2ndアルバム『A Beautiful Lie』の1曲目であり、リードシングルでもある。

静かな導入から、感情を一気に解放するカタルシス

この曲のたまらなさは、まず曲全体の温度設計にある。シンセなどの電子音を効果的に取り入れながら、クールかつひっそりと幕を開ける。抑制の中で溜め込むエネルギーが、サビで一気に感情が解放されたときの破壊力がとてつもない。

なだれ込むようなドラマ性は見事で、聴くたびに胸の奥を持っていかれる。

シンプルながら効果的に裏メロを差し込むベースも渋いし、パワフルなドラムもひたすら気持ちいい。ドラムを叩いているのは、ジャレッドの実兄であるシャノン・レト。

深い絆で結ばれた兄弟ならではの阿吽の呼吸も、このバンドの推進力になっている。

これほどに素晴らしい楽曲だが実は、収録が見送られそうになっていたという逸話がある。ジャレッドがアコースティックで聴かせたところ、プロデューサーのジョシュ・エイブラハムが強く惚れ込み、レコーディングへ進んだ。

危うく消えかけた火種は、結果的にアルバム全体を照らす導火線になった。そう思うと、この曲の存在がより愛おしくなる。

MVもまた印象的だ。廃墟となったハリウッドのホテルで撮影され、全フレームにメッセージが隠されているという凝った作りになっている。曲の持つ荒々しさや危うさが、映像の荒廃した空気によって増幅されている。音も映像も、ただかっこいいだけではなく、どこか切羽詰まった印象を受ける。

静と動、冷たさと熱、電子的な感触と生身の衝動。その全部が、鮮やかに同居し、完全な調和を果たす。30 Seconds to Marsというバンドの魅力が凝縮された一曲なのだ。

アーティスト紹介｜30 Seconds to Mars
1998年にロサンゼルスで結成されたアメリカのロックバンド。ジャレッド・レトとシャノン・レトの兄弟を中心に活動を続けており、ヘヴィなオルタナティブロックを軸にしながら、スケールの大きい音像とドラマティックな高揚感を武器に独自の世界観を築いてきた。

2023年には6thアルバム『It’s the End of the World but It’s a Beautiful Day』をリリース。2026年3月には『A Beautiful Lie』の20周年記念版を発表。未発表音源やThe KillのAcoustic版を収録した豪華仕様で、バンドの原点が改めて照らし直されている。

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DIR EN GREYは美しい白と攻撃的な黒が織りなす、まさにgreyなバンド。「アクロの丘」は、彼らの初期の名バラードであり、白の側面を際立たせた一曲だ。

1999年1月20日発売。「ゆらめき」「残-ZAN-」と並ぶ3枚同時リリースのメジャーデビューシングルの一つで、プロデュースをX JAPANのYOSHIKIが担当したことでも知られている。

2枚同時シングルを発売したGLAY、3枚同時シングルを発売したL’Arc〜en〜Ciel。前年にあたる98年には、2つのモンスターバンドから同時発売というスタイルが提示されており、すでに慣れはしていた。

けれど、メジャーデビューに3枚のシングルで切り込んでくるバンドは前代未聞だったため、結構な衝撃だったのを覚えている。レーベルでも相当な力の入れようだったのだろう。

しかし、その頃私は高校生。限られたお小遣いで3枚をいっぺんに買うことはできず、どれか1枚を選ぶしかなかった。

音楽に刺激を求める傾向にあった私が手にしたのは「残-ZAN-」。今でも、この選択は間違っていなかったと思う。スラッシュメタルとハードコアパンクを足して2で割らない「残-ZAN-」の、尖りに尖ったアグレッションに夢中になった。

ポップな「ゆらめき」もレンタルしてよく聴いた。一方、当時「アクロの丘」は3番手って感じで、そこまで刺さらなかったような気がする。だが、今となってはこの「アクロの丘」が一番沁みるのだ。

死にゆく者の視点──8分間、冗長にならない構成力

アクロの丘は8分に渡る大作。しかし、決して冗長になることはなく、ドラマ性をしっかりと演出する構成力の高さが光る。

初期の粗さを他の曲ほど感じさせず、最小限の音だけで余白さえも味方にしながら繊細な世界観をうまく描き出す。

歌詞の世界観も悲壮感が漂う。大切な人との離別というシーンでは割と普遍的なテーマで描かれているのだけれど、失くした相手を思うのではなく、死にゆく者の視点で語られるオリジナリティのある切り口は京らしい。

繋いでた指が解けて　深く沈みゆく僕 最後に見た君を愛してた　叶わない夢 アクロの丘で待つ　君と眠りたくて覚めない夢

引用：アクロの丘

別れの瞬間の心境や、生命の儚さが生々しくはなく、あくまで美しく描写されている点がすごくいいなと思う。

「生まれ変わったらまたあの丘で会おう」と遺した約束──それは叶わない夢。年齢を重ねるほど、この曲の持つ重みがしっかり伝わる。祖母や祖父など、大切な人との別れを経験し、当時に比べ”死”が身近な存在になったからなのかもしれない。

時間をかけ、自分の内面で育つ曲というものが、確かにある。そんなことを「アクロの丘」からは学ばせてもらった。

アーティスト紹介｜DIR EN GREY
1997年、大阪で結成。1999年1月20日のメジャーデビューに際して「ゆらめき」「残-ZAN-」「アクロの丘」の3作を同時発売し、いずれもオリコントップ10内に初登場する鮮烈なスタートを切った。その後はテレビの前線から距離を置き、作品とライブで更新を重ねながら音楽性を深化。国内外のフェスへの出演を経て、国境を越えたファンダムを築く。2026年4月には、約3年10か月ぶりとなる12thアルバム『MORTAL DOWNER』をリリース予定。

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インディーズ時代に発表された1stマキシシングル「JEALOUS」に魅了されて以来彼らを追いかけてきたDIR EN GREY。

8枚目の「DUM SPIRO SPERO」を聴いて以来、実はしばらく彼らの音から遠ざかっていた。まちがいなく完成度の高い作品だとは思うが、自分の肌には馴染まなかった。

おそらく既存のファンが離れる結果になろうとも、自分たちのクリエイティブを追求した作品だったのだろう。その難解さは、キャリアでも随一だと今でも思っている。

セルアウトなんて言葉とは無縁でどこまでも刺激的な音を生み出す彼らへの尊敬の念は抱きつつも、ミニアルバム「THE UNRAVELING」、9枚目の「ARCHE」も、スルーした。後年になってARCHEには後追いでハマったのだけれど。

そんなDIR EN GREYの熱を再燃させてくれたのが、10枚目「The Insulated World」のリードトラックである「Ranunculus」である。DUM SPIRO SPEROの発売から、7年の月日が流れていた。

Ranunculusには煽り立てる激しい展開もデスボイスはない。代わりにあるのは、ピアノと弦の静かな緊張感と、京の声が剥き出しのまま置かれた空白。美しいメロディが際立つ。

7年の歳月を越えて引き戻されたのは、楽曲の雰囲気が、メロディがただただひたすら好みだった。それだけだった。でも深掘りしていくうちに、もっとこの曲が好きになった。歌詞を読んで、また好きになった。

長く尖り続けてきたバンドが見せる、深いやさしさ

歌詞の核心は、「自分を抑圧する行為」に対する告発。

誰かに嫌われたくない。場を乱したくない。だから本当の自分を黙らせ続ける。その営みを、京は一行で断罪する。

誰かの様に嘘で騙した

引用：Ranunculus

──他人ではなく、自分自身を騙したのだ、と。自分の人生を振り返っても心当たりがあった。

楽曲の後半でも静かなまま、鋭い問いを突きつけてくる。

憎む為じゃないだろ？ 誰かの為に今日も笑うの？

引用：Ranunculus

この二行の残酷さは尋常ではない。「誰かのために笑う」という行為——ふつうは美徳として語られるが、無惨に解体する。

フェイクの笑顔。作れば作るほど、代償として他者への憎しみがつのる。自分と他人の境界がわからなくなっている人間への問いかけだ。

そして最後に来るのは力強い激励。

叫び生きろ 私は生きてる

引用：Ranunculus

「生きてる」という事実の確認。顔色を窺いながら、ビクビクしながら誰かの人生を生きるのではなく、自分らしく生きろ。それがこの曲の着地点なのだ。

ライブでは、京がまるで泣いているかのように歌うという。客席からすすり泣く声が漏れるほど、感情を揺さぶる瞬間になる。歌詞に込められているメッセージが、ステージの上で一層「リアル」になる曲なのだろう。

タイトルに選ばれた花、ラナンキュラス。花言葉は「魅力的」「光輝く」。幾重にも重なった花弁が、まるで何層もの感情を纏っているようで——その名前をこの曲に冠した理由が、歌詞を読むほどにじわじわと腑に落ちてくる。

長く尖り続けてきたバンドが時折見せる優しさは、一見厳しくも慈愛に満ちている。Ranunculusとはそういう曲なのだ。

アーティスト紹介｜DIR EN GREY
1997年、大阪で結成。1999年1月20日のメジャーデビューに際して「ゆらめき」「残-ZAN-」「アクロの丘」の3作を同時発売し、いずれもオリコントップ10内に初登場する鮮烈なスタートを切った。その後はテレビの前線から距離を置き、作品とライブで更新を重ねながら音楽性を深化。国内外のフェスへの出演を経て、国境を越えたファンダムを築く。2026年4月には、約3年10か月ぶりとなる12thアルバム『MORTAL DOWNER』をリリース予定。

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乏しすぎる語彙力のことはおいといて、衝撃が稲妻のように全身に走る。

はじめてKiLLiNG MEおよびSiMを観たのは、「スペースシャワーTV」のライブ告知CMだった。30秒足らずのCMの中でやられた。タイトル通りに、大いにやられた。

しばらくはYouTubeでKiLLiNG MEのMVを繰り返し観た。この曲は、2ndフルアルバム『SEEDS OF HOPE』（2011年10月12日発売）のリード曲として収録されている。

2011年10月12日。そう、その日は私の新婚旅行の真っ最中だった。

10月9日に結婚式を終え、翌日からハネムーンへ直行。東京のディズニーリゾート、大阪へ移動して欲求に任せ、ご当地のグルメを食べまくる。充実した2日間だった。

しかし10月12日の朝、身体に異変が起きる。

「腹が……痛え」

ホテルのトイレから出られなくなった。

たこ焼きか、串カツか。いやラーメンか、うどんか？

それとも、深夜に関ジャニの番組を観ながら食べたハーゲンダッツか。「さすが大阪のテレビは、関ジャニよくでとるなー」と、間抜けなコメントをTVに向かって投げかけながら頬張った、イチゴ味のあれか？

下腹部に激痛を抱えながら、なんとかチェックアウトし、次のホテルへ這うようにして到着。そこで力尽きた……。

幸い妻は学生時代を大阪で過ごしていて、土地勘がある。大変申し訳ないが、一人で大阪観光を楽しんでもらうことにした。

私はベッドとトイレを往復するのみ。文字通り食い倒れた。近代的でおしゃれなホテルの、おしゃれな壁を観光しながら1日の大半を過ごした。

──そこでふと思い出す。
「今日、SEEDS OF HOPEの発売日だ」

即座に妻へLINEを送った。

「ホントすまんけど、SiMというバンドのSEEDS OF HOPEってアルバム買ってきて😭」

腹がよじれるほど痛かろうが、発売日を忘れることのなかったアルバム。それだけでどれだけ魅力的な作品かが伝わればいいな。

当時SiMを知らなかった妻は（のちに私よりハマる）、梅田のタワレコでCDを見つけて帰ってきてくれた。腹こそ痛いままだったが、地獄のような時間を乗り越えて久々に多幸感を得られた瞬間だった。

翌日もおしゃれなホテルの部屋の中で、ベッドとトイレのローテーションは続いたが、歌詞カードを読み込むという彩りが加わった。

結局、5日間の新婚旅行のうち元気に楽しめたのは最初の2日だけ。でもその分、途中から『SEEDS OF HOPE』が旅の同行者として加わった喜びは、今もしっかり残っている。

歌詞の意味を深掘るも、ただ音に身を委ねるもあなたしだい

──あれなんの話だったろう？

そうそうSiMのKiLLiNG MEだったね。

SiMは神奈川・湘南発の”レゲエパンク”バンド。ロックもレゲエも好きな人にはもちろん刺さるが、レゲエが得意じゃなかったとしても十分楽しめるだろう。ロックをベースにしながらレゲエをかっこよく聴かせる手腕に長けているし、そもそもロック寄りの曲も多い。

たとえば「KiLLiNG ME」は、レゲエ要素：ロック要素＝1：9のロック寄りキラーチューン。入口として、これ以上ない一曲だ。

ヘヴィだけど速い、キャッチーだけどスリリング。ボーカルに強めのエフェクトがかかっていてデジタルな質感を加えながらも、生身のスクリームがラウドミュージック好きにぶっ刺さる。

MVでは白を基調にした空間に、メンバーのキャラクターがそのまま浮き上がる。MAHの目力が強い。演出で盛るというより、「素材の強さ」を活かした映像だ。

歌詞はなかなかに意味深。MAH本人が当時のブログで「一見ラブソングっぽいけど、そんなの書くわけない」「歌詞とMVにヒントが散りばめてある」と書いている。

“考察していい曲”として投げているわけだ。

歌詞に登場する「4:19 p.m.」というフレーズが鍵となり、「KiLLiNG ME」というタイトルに隠された真意を開くことができる。

だが、難しいことを考えず、ただただ体をビートに委ねるもよいだろう。楽しみ方はあなたしだいだ。

カバーによって転生

さらに面白いのは、燐舞曲（ロンド）による「KiLLiNG ME」カバーの存在だ。「転生したら天使になっていた」みたいな仕上がりである。

スクリームの代わりに透明感のある歌声が乗り、初めて聴いたKiLLiNG MEの衝撃を別角度から追体験できる。ぜひこの可憐なKiLLiNG MEも合わせて楽しんでもらえたら……と思う。

アーティスト紹介｜SiM

SiMは2004年に神奈川・湘南で結成。初期名義「Silence iz Mine」から改名し、現在の4人体制へ。2010年には主催フェス「DEAD POP FESTiVAL」をスタートさせ、2011年に2ndフル『SEEDS OF HOPE』がスマッシュヒット。2013年にシングル「EViLS」でメジャーデビューを果たし、2015年には初の日本武道館公演を開催。2024年には自身初となる北米ヘッドラインツアーを敢行。2025年2月には「CHAMPiONS」をリリース。そして2026年4月には「FiVE TiMES DEAD」を配信リリース。結成20周年を超えた今もなお、攻撃性と遊び心を同居させた”レゲエパンク”を更新し続けている。

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デフトーンズの奏でるロックは、なかなかに芯を捉えられない。

重い。暗い。輪郭がぼやけているのに、圧だけは確かに来る。なんとなくハマれそうな空気を持っているのになかなかハマらせてはくれない。アルバムを通して聴こうとして、途中でそっと閉じる。なのに、しばらくするとまた開きたくなる。

つかず離れずの感じで付き合ってきたのが正直なところ。今でも体調によってはアルバムを通して聴くことが難しい日もある。

ただ歳を重ねるにつれ、少しずつだけど”自分の中での好き”を育んできたバンドのようにも感じる。

彼らの魅力は、重低音と幽玄さが作る”強烈なトリップ感”にある。ロックなのに、副交感神経のスイッチを押されるような感覚。低音の波に身を任せると、心地よさが先に来る。理解より先に、体がほどける。

その象徴的な一曲が「Be Quiet and Drive (Far Away)」だ。2ndアルバム『Around the Fur』（1997）に収録された、バンドにとって初の全米チャート入りシングルで、Billboard Mainstream Rockで29位、UKシングルチャートで50位を記録した。

逃避願望が、束の間叶う。

この曲の構成はシンプルだ。ビート感の強いパートと、浮遊感が支配する混沌のパート──この2つを行き来するのが基本。なのに、単調さはなくドラマ性を感じられる。

いわゆる「静と動」のダイナミクスが強烈で、重いギターの圧があるのに、気分は沈むのではなく軽やかに遠くへと滑っていく。聴いていると、生活の景色を抜け出し、非日常へと意識が運ばれていく。「ここではないどこかへ」という逃避願望が、聴いている間だけ叶う。

この曲の特徴として、どこか宙ぶらりんなテンポ感がある。アップテンポのようでミドルテンポ、まるで動く歩道を逆走するような、進んでいるようで進んでいない絶妙な引っ張り合いがある。チノ・モレノのボーカルは激しいシャウトと繊細なファルセットを使い分け、その落差がさらにその宙ぶらりんな感覚を押し広げる。

冒頭の歌詞が象徴的だ。”I dress you in her clothes”──君に、彼女の服を着せる。失った誰かを、目の前の別の人間に重ねて見ている。意図しているのかよくわからないが、過去を振り切るのではなく、過去ごと連れて逃げようとしている。

その煮え切らなさが、この曲をアンセムたらしめているのかもしれない。遠くへ行けば何かが変わるという根拠のない願望。でも手放せないものは、どこへ行っても手放せない。そういう人間らしい執着が、サウンドの「振り切れなさ」と重なって、妙なリアリティを生む。

“Be Quiet and Drive (Far Away)”

黙って、遠くまでいけ。他者への命令のようで、どこか自分に言い聞かせているような切実さがある。括弧でくくられた”Far Away”が、言い切れない本音みたいに見える。「黙って走れ、頼むから遠くへ」──そういう懇願が、タイトルの中に滲んでいる。

「Be Quiet and Drive (Far Away)」は、Deftonesの異端性を”分かりやすい入り口”として体験できる一曲だ。ヘヴィで暗いのに、なぜか心地いい。輪郭はぼやけているのに、感情の芯だけははっきり残る。何度閉じても、また開きたくなる。

アーティスト紹介｜Deftones
Deftonesは1988年、チノ・モレノ（Vo）らを中心にサクラメントで結成されたオルタナ系ヘヴィロックバンド。2ndアルバム『Around the Fur』（1997）で評価と人気を拡大し、2001年には「Elite」でグラミー賞（Best Metal Performance）を受賞。2025年8月には10枚目のアルバム『Private Music』をリリース。批評家から高い評価を受け、グラミー賞Best Rock Albumにもノミネートされるなど、結成から35年以上を経てなお進化し続けるバンドだ。

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アンビエントミュージック。

耳慣れない言葉かもしれないけれど、環境に溶け込むように静寂を湛えた音楽を指す。聴く人の精神の揺れをなだらかにする方向へ働く。そこに流れているだけで、じわじわと心の輪郭が溶けていく。

そして個人的な捉え方になるが、曲の中に自分の内面を反響させて、自分と向き合うためにあるような音楽だと思っている。

今回紹介するHammockは、そのアンビエントの美しさを極めたナッシュビル出身のデュオだ。Marc ByrdとAndrew Thompsonの2人が、アンビエント、エレクトロニック、ネオクラシカルを溶かし合わせたサウンドで、独自の空間を作り上げている。

アンビエントミュージックの入り口に

アンビエント色の強い彼らの楽曲の中でも、入門曲として推したいのが「(Let’s Kiss) While All the Stars Are Falling Down」だ。

2枚組アルバム『Departure Songs』の後半に置かれた、静かでありながらもハイライトのように心を惹きつけられる曲である。

Hammockの作品としては比較的シンガロングのパートが多めで、人間のぬくもりが残る。彼らの楽曲はあまりに幽玄すぎて、輪郭を掴みづらい楽曲が多い点は否めないが「(Let’s Kiss) While All the Stars Are Falling Down」はわずかにロックサウンドと接続しており、親しみやすい。

とはいえアンビエント然としたアプローチもしっかり機能しているのがこの曲の素晴らしさ。

美しいドローンサウンドがシャワーのように体に降り注ぐ感覚はまさに恍惚の体験。聴いているうちに体の力が抜けて、思考に蔓延るノイズが遠のく。至福、昇天しそうだ──という感想は、誇張じゃない。

「(Let’s Kiss) While All the Stars Are Falling Down」は、アンビエントの”美しさ”とポピュラーミュージックの”聴きやすさ”をうまく混ぜ合わせた一曲だ。作業用BGMにも、瞑想にも、そして心がザワつく夜にも効く。眠気を催しそうで、聴き終わると心に活力が宿る。そんな不思議な感覚を覚える。

アーティスト紹介｜Hammock
2003年にナッシュビルで活動を始めた、Marc ByrdとAndrew Thompsonによるデュオ。アンビエント、エレクトロニック、ポストロック、ネオクラシカルを溶かし合わせたスタイルでインストゥルメンタル音楽の重要な存在として知られている。異色の経歴としては、2024年にポップパンクバンドYellowcardの既存楽曲をHammockのサウンドで再解釈したコラボレーションアルバム『A Hopeful Sign』を発表。

ジャンルを超えた試みとして話題を呼んだ。2025年7月には最新アルバム『Nevertheless』も発表している。

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友人から、初めてピストルズを聴かせてもらったときのことをよく覚えている。

「自分がよく聴くパンクソングとは、これは別物だ」と思った。

初期パンクは思想が先立っていて、メロディや演奏など音楽的な要素は二の次のように思えた。

この音を受け入れられる感性に憧れはするが、そうはなれない。

その時代を生き、世相に不満を抱く。

そのうえで聴くピストルズなら、胸を震わせてくれそうな気もするのだが、それは無理な話。

あきらめた。

一方、NICOTINEのようなメロディックパンクは、“聴き心地の良さ”をちゃんと設計されている気がした。

疾走感に満ちたビートにキャッチーなメロディ。

これだよこれ。

高校に入学した1998年にHi-STANDARDと出会い、メロディックパンクの虜になった。2000年を過ぎたあたりには、荒々しい音に青臭い言葉を乗せる青春パンクが勢力を伸ばした。

が、やはり自分にとってパンクといえばメロディックパンクのほうが馴染んだ。

そのメロディックパンクの、美味しいところを一番わかりやすく、派手に、気持ちよく鳴らしてくれたのが、NICOTINEだった。

https://youtu.be/Pfp-Kta_EsA?si=V99TAelxwXooGeFG

今回紹介する「BLACK FLYS」は、彼らのメジャー1stシングル。TBS系『スーパーサッカー』のテーマソングになったことが、自分とこの曲との出会いになった。

こちらは2010年のセルフカバーバージョン。

https://youtu.be/oPE3HPuGhp4?si=Wp_Zr1ujZ-K7dKx9

こうしてリテイクされていることからも、メンバーにとって大切な曲であることが伺える。

リードギターが彩る痛快なパンクソング

この曲の気持ちよさは、凄まじいスピード感にある。

息継ぎの場所がないくらいの勢いで迫ってくる。歌詞も英語の語感でスパッと切れる。

「BLACK FLYS is my super hero」という冒頭の一撃が、そのままスピードに乗って飛んでくる。

でも、速いだけなら似た曲はいくらでもある。「BLACK FLYS」が一段抜けて聴こえるのは、歌メロが異常なまでにキャッチーで、突き抜けるような爽やかさがあるからだ。サッカーニュース番組との相性も抜群で、起用を決めたテレビマンのセンスを素直に称えたい。

もうひとつの魅力は、リードギターの存在感。

メロコア文脈で、ここまで派手にハモリの効いたギターフレーズが主張するのはわりと珍しい。

バッキングとして機能するだけでなく前に出て曲を彩る。そこが他のパンクバンドとの差別化になっている。

「BLACK FLYS」は、メロディックパンクの”気持ちよさ”を限界までスピードに乗せた一曲だ。

キャッチーかつスリリング。

リードギターの旋律が余韻のように耳に残る。シーンを巡ってもこの曲でしか味わえない体験が再生ボタンを繰り返し押す強い動機をくれる。

アーティスト紹介｜NICOTINE
1993年に千葉で結成。結成直後に渡米して西海岸のメロディック・パンクに影響を受けたことが、バンドのスタイル形成として記されている。インディーズシーンで勢いを築き、1999年にメジャー進出。翌2000年5月にシングル「BLACK FLYS/RESISTANCE」をリリースし、オリコン初登場19位を記録した。

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「鬼滅の刃-無限列車編-」を映画館で鑑賞したときにエンディングで聴いた『炎』の感動の余韻がまだ残っていた頃に届いたのが、この「dawn」だった。

LiSAといえば『鬼滅の刃』、そして「炎」や「紅蓮華」というイメージが先に立つ人は多いと思う。

──自分もそのひとりだ。

しかし『鬼滅の刃』が接点になったとはいえ、一人のシンガーとして歌声に魅了されたのは紛れもない事実。その証拠に他の作品も聴いてみたいと思った。

ちょうど次にリリースされた「dawn」で、完全にハートを射止められた。

MVで目の当たりにした伸びやかに歌う彼女の姿と、好みのラウドなサウンドが、『鬼滅の刃』のタイアップアーティストというイメージを打ち破る。

ロックシンガー然とした佇まいは私の心に強く残った。

サビで空が開ける、あの爽快感

この曲の気持ちよさの核は、サビで一気に夜明けを迎えるように開けるところにある。

疾走するロックサウンドが土台にあって、そこにLiSAのパワフルな声が乗る。

サビが何度もリフレインされる展開だが、いいメロディは決して冗長な印象を覚えない。繰り返されるほど”加速”になる。

サビが戻ってくるたびに曲の世界に引き込まれ、気分が一段も二段も上がっていく。

歌詞には「誠実に生きることで強くなれると知った」という一節がある。

シンガーとして、覚悟の滲む言葉のように受け取れる。

MVでは「自然の中でナチュラルに歌う等身大のLiSA」と、「機械的なもう一人のLiSA」が鏡越しに登場する。

自分の中の本当の感情と、冷静でいなければならない自分の対比だという。

これは、一人の中に眠る多面性を表している。

よく「あの人はこういう人」と決めつけるような発言をする時があるが、誰もがそんな単純じゃない。

情熱的な表情と冷静な表情、ネガティブ思考とポジティブ思考。様々な人格の自分を渡り歩きながら生きている。

そんな人の持つ明暗は、タイトルの「dawn」すなわち夜明けというワードに込められている気がする。

暗いところから明るいほうへ走り抜けていく感触が、音だけでなく視覚的にも補強される。曲とMVがガシッと組み合っているのを感じる。

夜が長いほど、夜明けはちゃんと眩しい。

そんなことを思わせてくれるように聴き終えた後の心は清々しい。

アーティスト紹介｜LiSA
LiSAは2010年にTVアニメ『Angel Beats!』劇中バンド「Girls Dead Monster」2代目ボーカルとして広く知られるようになり、2011年4月20日にミニアルバム『Letters to U』でソロデビュー。数々の人気アニメ主題歌を担当し、アニソン歌手として地位を確立した。2019年には『鬼滅の刃』OP「紅蓮華」が大ヒットし、同年末にNHK紅白歌合戦へ初出場。2020年には「炎」をリリースし、日本レコード大賞を受賞。

2025年には「ReawakeR（feat. Felix of Stray Kids）」が世界的ヒットを記録し、同年7月には劇場版『鬼滅の刃 無限城編』主題歌「残酷な夜に輝け」をリリースするなど、現在も精力的に活躍し続けている。

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「American Idiot」はパンクの”一番気持ちいい部分”が、3分に圧縮されたキラーチューンだ。

複雑な展開や技巧で魅せるのではなく、初期衝動のままに楽器をかき鳴らす。使われているコードも最小限。

このシンプルさがカッコ良さを際立たせる。

「限られた材料で、一番の破壊力を出す」

──そんなパンクの理想形が、ここにあるような気がしている。

軽快さの中に、強烈な主義主張が息づく

日本人である私に、歌詞の意味がダイレクトに飛び込むことはない。
しかし、音だけ聴けば軽快だが、詞のテーマの方は、刺々しい。

この曲が生まれた背景には、9.11以後のアメリカ社会、イラク戦争、ブッシュ政権下といった社会の大きな動きがあった。

「American Idiot」には反戦の意志がはっきり刻まれている。

噛みつく相手は戦争や政治の当事者だけじゃない。民衆を煽るメディア、そして冷静さを失った民衆まで、まとめて射程に収める。

社会全体に覚える違和感が、そのままパンクの速度に変換されている。言葉も音も”まっすぐ”。まっすぐ過ぎて、皮肉にさえ聞こえる。

「馬鹿なアメリカ人になりたくない」という強烈な煽り文句は、権力者に向けられているようで、同時に聴くものにもぶっ刺さる。

だから支持されるし、反発もされる。

MVの演出は、視覚でメッセージを補強する。緑の星条旗を背景に、映像の速度を変えたり、旗のストライプが溶け落ちたりする。

真実っぽく見えているものが、いとも簡単に加工され薄気味悪さが表現されている。なんとなくAIの作る動画を彷彿とさせる。

曲はポップなのに、見終わると言葉をダイレクトに理解できない自分にすら、攻撃的なスタンスで問いかけられていることが伝わる。

聴き終わったあと残るのは「自分たちは大きな存在の手の内で踊らされているのではないか」という、いいようのない不安だ。

「American Idiot」彼らの入門曲である。同時に、ただのポップパンクで終わらない、シニカルな問いの詰まった楽曲でもある。

アーティスト紹介｜Green Day
1987年、Billie Joe ArmstrongとMike Dirntを中心に結成され、のちにTré Coolが加入した3人組ロックバンド。90年代のポップパンクを代表する存在として成功し、2004年には『American Idiot』を発表。

9.11以後のアメリカ社会やイラク戦争、ブッシュ政権期の空気に触発された同作は全世界で1,500万枚以上のセールスを記録した。

2024年リリースの最新アルバム『Saviors』はグラミー賞3部門にノミネートされ、Billboard 200で4位を獲得。2025年には15年ぶりとなる来日ツアーを成功させ、ハリウッド・ウォーク・オブ・フェイムへの殿堂入りも果たした。結成から30年以上を経てなお、第一線で走り続けている。

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Pleymoが三作目のアルバム『Rock』でたどり着いた境地は、メロディーを大切にしたアプローチだった。

それまでのニューメタル／ラップコア路線から、よりメロディアスな”歌もの”へ舵を切った作品である。確かに持ち味だったラップやヘヴィリフは鳴りを潜め、シンガロングが増えた。レビューサイトを一通り見た印象では、賛否が分かれる作品のように思える。

だがPleymoにこのアルバムから入った自分としては、路線変更など一切問題にならないし、むしろこのアルバムが一番好きと言い切れるほど気に入っている。

過去の流れが好きな人だと首を傾げる点があるかもしれないが、メロ重視のロックが好きな人へは自信を持って推せるアルバムだと思ている。

そんな、アルバム『Rock』のメロディアス路線を決定づける象徴的な曲が「Moddadiction」である。

余韻を残すほどの滲み出る「哀愁」

『Rock』は”少し丸くなった”アルバムじゃない。

単に優しくなったのではなく、「怒りをどこに置くか」を変えた感じがする。前へ噴き出す怒りではなく、内側に沈めた熱をメロディとして放出する。ちなみに『Rock』というタイトルは、ボーカルのマークが子供の頃に話しかけていた想像上のキャラクター──盲目の少年の名前に由来している。

アルバム全体のトーンがこれまでの作品に見られた「直線的な暴走」から「起伏のある物語」へ変わり、実にコンセプチュアルな構成力を見せつけた。

その象徴が「Moddadiction」だと思う。

「Moddadiction」は、楽曲全体を通じて哀愁が漂う楽曲に仕上がっている。彼らのディスコグラフィを振り返ってみると、これまでのキャリアで哀愁という言葉が当てはまる楽曲はなかったように思える。その点、本曲はフランスのポピュラーソングであるシャンソンに通じる、しっとりとした質感がある。

わずかに聞こえているラップも歌を引き立てるために微かに呟くような感覚だ。コーラスではラウドロック由来のディストーションの効いたギターサウンドも聴けるが、これも伸びやかな歌メロを優しく支えるような役割を果たす。アウトロの感極まるギターソロの旋律も表情豊かで、うまく余韻を残す役割を果たしている。まさに湿り気のあるロックバラードという様相を見せる。

「Moddadiction」は、Pleymoが暴れるだけのバンドじゃなく良質なメロディメーカーであることを証明した曲だ。湿り気のあるメロディ、哀愁が余韻を残すギターソロ、路線転換期の空気感。賛否の渦中にあった『Rock』というアルバムを、いちばん分かりやすく”良い形”で味わえる一曲だと思う。挑戦を続けるスタンスだからこそ賛否が出る。むしろ健全な変化ではないだろうか。

アーティスト紹介｜Pleymo
Pleymoは1997年結成。4枚のスタジオ作を軸に人気を拡大したが、2007年に活動を休止。2017年に再結成を発表、2026年3月現在、Limp BizkitのWes Borlandと新作を制作中とのこと。ボーカルのMark MaggoriはWalt Disney Animation Franceでアニメーターとしても活動した異色の経歴を持つ。

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フランスの音楽と書くと、どこかシャンソンや洗練されたポップスの残像が先に浮かぶ。ロック後進国という枕詞も、まだこの時代には漂っていた。Pleymoは、そういう先入観を、カラフルなジャンプスーツを纏ったインパクトのある出立ちで粉砕してくるような勢いを持ったバンドだった。

1997年、フランスで結成。ニューメタル／ラップメタルを軸にしたミクスチャーサウンドで頭角を現し、音だけでなくライブのビジュアル的な派手さも込みで”キャッチー”なバンドだった。日本でも刺さった人が多いのは、サウンドの良さはもちろん、ルックスのキャッチーさも手伝ったと思う。

今回取り上げる「New Wave」は、2ndアルバム『Episode 2: Medecine Cake』に収録されたトラック。ラップ・コアの攻撃性が全面に出た前作『Keçkispasse?』に比べ、幾分キャッチーでメロディ重視になったアルバムを象徴するような一曲だ。

「静」と「動」の落差が、脳を中毒にする

この曲の快感の核は、展開の落差にある。

R&Bのトラックのような空気が漂ったと思ったら、次の瞬間、ヘヴィなバンドサウンドが雪崩れ込む。その「静→動」が何度も繰り返されるうちに、脳がだんだん「次の崩落」を待ち始める。初期のLinkin Parkを想起させると評されるのも、この構造的な中毒性ゆえだろう。

歌詞には、新しい波を求める衝動と、古い価値観への反発が前に出る。「old school」「France」といった語が直接リリックに現れ、保守的な空気への苛立ちがそのまま素直に言葉になっている。

ラップとヘヴィロックの融合という手法自体が、当時のロックシーンを席巻していた──Pleymoはその波に乗りながら、フランス語という独自の武器を持ち込んだバンドだった。

そして、フランス語で発せられるラップは英語より滑らかで、歯切れが違う。ヒリついた音の中に、妙な人間味が混じる。そこがPleymoの個性であり、他のニューメタルバンドとは一線を画す質感の正体だと思う。

MVも強烈だ。アクションスリラー仕立ての演出で、楽曲の暴力性とユーモアが視覚的に増幅される。機械がエラーを起こしたようなギターの効果音、DJのスクラッチが積み重なり、「不協和音交響曲」とでも呼ぶべき密度になっていく。

「New Wave」は、構成と映像でミクスチャーロックの面白さを分かりやすく表現するキラーチューンだ。静かな空気を一度吸わせて、次の瞬間に叩き落とす。その落差にハマったら最後、何度でも再生ボタンを押してしまうのだ。

アーティスト紹介｜Pleymo
Pleymoは1997年にフランスで結成され、ニューメタル／ラップメタルの文脈で人気を獲得。ディスコグラフィは『Keçkispasse?』（1999）、『Episode 2: Medecine Cake』（2002）、『Rock』（2003）、『Alphabet Prison』（2006）の4作が軸となる。ボーカルのMark Maggioriは、Walt Disney Animation Franceでアニメーターとしても活動した異色の経歴を持ち、バンドのビジュアルやMV面でも中心的な存在感を発揮している。

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entは、ストレイテナーの活動と並行して始動したホリエアツシのソロプロジェクトである。エレクトロニカ、ポストロック、ローファイポップなどの幅広いサウンドを取り込みながら、バンドとはまた違う、より私的で静かな音の世界を形にしてきた。

2012年発売の2ndアルバム『Entish』に収録された「Airwalker」は、そんなentらしさがよく表れた一曲である。

アンプラグドなアコースティックギターのアルペジオと打ち込みのビートがゆっくりと混じり合い、独特な音空間を作り出す。有機と無機が溶け合った、心地よいサウンドである。

歌詞には「新しい水が流れ」「空気が生まれる」「失っていた感覚を覚えて」といった、再生や新たな始まりを思わせる言葉が置かれている。いったん失われた感覚や呼吸を自分のもとへ取り戻しながら、もう一度歩き出していく。その気配が、音の端々から静かに立ち上がってくる。いったん仕切り直し、自分の人生を自分で舵取りしていくようなイメージとしても受け取れた。

さらに、「手を握ってくれ」「響き合う足音が一つになる」といったフレーズには、単なる個人の再生にとどまらず、誰かと歩幅を重ねながら進んでいく感覚も含まれているように思える。独りきりの再起ではなく、つながりの中で呼吸を整え直していくようなやさしさがある。

ストレイテナーがライブハウスの床を揺らす音楽だとしたら、entは自室の空気を静かに澄み渡らせてくれるような音楽である。眠れない夜に聴くと、頭の中のノイズが少しずつ丸みを帯びていく感覚がある。

アーティスト紹介｜ent
entは、ストレイテナーのホリエアツシによるソロプロジェクトである。2009年に1stアルバム『Welcome Stranger』で始動し、2012年には2ndアルバム『Entish』を発表。エレクトロニカ、ポストロック、ローファイポップなどを取り込みながら、バンドとは異なる静かで内省的な音の世界を築いてきた。

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ストレイテナーのバンド名の意味は「まっすぐにする人」。まっすぐな音楽をやりたいというメンバーの思いが込められている。

ただ面白いのは、彼らがまっすぐに進めば進むほど、むしろさまざまなタイプの音楽が生み出されていったことだ。

初期はギター主体で、コンセプト通り直線的な衝動を鳴らしていた。だが、メンバーが増えるたびに、ガレージロックやピアノロック、ジャズ、エレクトロニカ、アンビエントまで、表現のレンジはどんどん広がっていく。

それでもアイデンティティが濁らないのは、ホリエの歌と詞の感性に、秘められた繊細な音世界がしっかりと核としてあるからだと思う。粗野なロッカーというより、部屋で静かにギターを爪弾く楽器好きの物静かなお兄さん。そんなイメージがしっくりくる。

使える色が増えても、決して核はぶれない。

元は2人から始まったこのバンドが、現在の4人編成になった直後の空気を閉じ込めたのが「Lightning」である。

2009年にリリースされたシングルであり、ストレイテナーが“いまの姿”へ本格的に切り替わっていく過渡期にあった頃の曲だ。

電子音の奥ゆかしさが、喪失の輪郭を静かになぞる

この曲の核にあるのは、電子音が全体を支配するような奥ゆかしさである。

ギターは効果音のように景色の輪郭をなぞる役回りに回っている。輪郭は少しぼやけているのに、世界はやけに美しい。MVも絵本のように繊細で、まずそこに強く惹かれる。

歌は無機質に近い温度で、聴くたびに心がふっと脱力する。重力が一段ゆるむような感覚がある。

しかしよく聴き込むと、印象は大きく変わる。この曲には仄暗く、どこか狂気じみた雰囲気が漂っている。サビの英詞を訳すると、こうである。

「雷よ私を撃て、そうすればあなたの世界へ戻れる」

この一節から浮かび上がるのは、大切な存在を失った喪失感のあまり、心が壊れかけた主人公の姿である。

「あなたの世界へ戻れる」という言い方には、あなたがいた世界、あなたを中心に成り立っていた世界へ、自分ももう一度帰りたいという願いがにじんでいる。自分ではなくあなた主体で物事を考えていることから、かなり意志が弱っている感覚が伝わってくる。

「棄てられたテレビ」「音のしない時計」「輝かない星」
こうした、「死の匂い」をまとった言葉たちが並ぶのも印象的だ。

──にもかかわらず、不思議と絶望だけでなく希望も香る。

たとえば「少しくらい休みたい」「今夜くらい眠りたい」という一節。これは終わりではなく、一時停止のように捉えられる。停止は再生の前段である。そう思うと、この曲からは輪廻転生のように、またどこかで再会を果たせるような予感をほのかに残す。

ソロプロジェクト「ent」につながる音像

「Lightning」は、ポストロックやアンビエントのアプローチが色濃い楽曲である。これまで見せてきたバンドサウンドの表情とは大きく異なる質感があり、その意味でも重要な曲だ。実際、自分もこの曲を聴いて以来、ポストロックの世界を意識するようになった。

この楽曲が気に入ったのなら、フロントマンであるホリエアツシのソロプロジェクト「ent」に触れてみることも勧めたい。

「Lightning」がバンドとしてのフィジカルをわずかに残した上での繊細さだとしたら、entでは、内面で静かに反響するように音が鳴っている印象。

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「Lightning」と「entの音」は完全に重なるわけではないものの、確かに地続きになっている感覚がある。

そういう意味で「Lightning」は、バンドにとってもホリエアツシにとっても、自分の表現したい音楽の幅を広げるきっかけになった作品と言えるのではないかと思っている。

アーティスト紹介｜ストレイテナー
1998年にホリエアツシとナカヤマシンペイの2人で始動したロックバンド、2003年に日向秀和が加入、2008年には大山純が加わって現体制になる。編成の変化とともにサウンドの射程を広げながら、繊細さとダイナミズムを両立させる独自の音楽性を築いてきた。

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Dragon Ashは、1996年に結成され、1997年にミニアルバム『The Day dragged on』でメジャーデビューしたバンドである。

ロックを軸に、ヒップホップ、レゲエ、ラテン、エレクトロニカなどを大胆に混ぜ込み、日本の音楽シーンに「ミクスチャーロック」という響きを強く定着させた存在でもあった。1999年の『Viva La Revolution』は大ヒットを記録し、彼らの勢いが社会現象のように広がった時代の象徴になった。

ただ正直に言うと、自分は最初、彼らが苦手だった。

とにかく「I LOVE HIP HOP」の印象が強烈すぎたのである。1999年当時、自分は高校生。LUNA SEAやL’Arc-en-Cielのようなメロディアスなロックに傾いていた時期に、ルーズな服でラップを放つKjの姿は、当時の自分には距離のあるものに映った。ロックよりもヒップホップの匂いが濃く感じられて、うまく歩み寄れなかった。

しかし社会人になって、『Viva La Revolution』のひとつ前のアルバム『Buzz Songs』を手に取ったことで、彼らの見え方が変わった。『Buzz Songs』には、パンクロックやオルタナティブロックを軸としたミクスチャーロックの躍動が溢れていて、ヒップホップの味付けも後年のイメージほど前面には出ていない。

すでにニューメタルやラップメタルを通過していた自分には、その感触がすんなり入ってきた。そこからDragon Ashを聴きあさるようになり、その中でもとりわけ胸に刺さった一曲が「百合の咲く場所で」である。

極端なまでの「静」と「動」はドラマを生む

『LILY OF DA VALLEY』に収録されたこの曲は、楽曲の構造そのものに強いドラマがある。

まず、ゆったりとした曲調の中で、冷静に社会を見つめるような視線が置かれる。ところがサビに入ると、感情が一気に爆発する。希望を抱いて前へ進もうとする熱が、音の波によって押し上げられていく。

あまりに極端なコントラストに、初めて聴いたときから心をわしづかみにされた。異なる熱量を一曲の中で共存させることで、強烈なインパクトを生み出しているのである。

リリックも印象的だ。

川の流れは冷たくて
胸が張り裂けそうになって
外は陽の光が眩しすぎて ここで歌っている

「百合の咲く場所で」 / Dragon Ash

無慈悲な現実の冷たさと痛みの中へ、意を決して飛び込んでいく。向かい風のような厳しい空気に飲み込まれないように、ぐっと足に力を入れ、着実に前へ進む。

ライブ定番曲として長く愛されているのも、この曲の持つ強いメッセージ性が会場全体をひとつにし、また明日を生きる活力を与えてくれるからだと思う。

「百合の咲く場所で」という曲の中では、冷静さと情熱が衝突する。変わりゆく社会の無情さや理不尽さを見つめながら、それでも進めと周囲を鼓舞し続ける。相反する感情が一曲の中でぶつかり合い、最後に残るのは希望である。

──まるで、社会そのものをパンドラの箱になぞらえたかのような楽曲である。

アーティスト紹介｜Dragon Ash
1996年に結成。1997年にミニアルバム『The Day dragged on』でメジャーデビューした。1999年の『Viva La Revolution』で日本のミクスチャー・ロックを代表する存在へと躍進し、その後もラテン、レゲエ、エレクトロニカなど多彩な要素を取り込みながら独自の進化を続けてきた。

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「Rise Against」とは、何かに抗い、異議を唱え、立ち向かうこと。その名の通り彼らは、社会批評的な言葉を、汗と呼吸が見えるようなスピード感で鳴らしてきた。

そのスタンスを最短距離で叩きつけてくるのが、「State of the Union」である。2004年のメジャーデビュー作『Siren Song of the Counter Culture』の1曲目に置かれたこの曲は、アルバム冒頭から自分たちの立ち位置を一切ぼかさない。

楽曲は荒く、速く、短い。強烈なギターリフが全編を強引に牽引し、ボーカルはほとんど咆哮に近い熱量で押し切る。胸ぐらを掴まれ、耳元でがなり立てられるような勢いがある。

汗の匂いが立ち上る。観客たちが生き生きと暴れ、こちらも混ざりたくなる。けれど実際に混ざったら最後、前からも後ろからも圧が来て、たぶん私は潰される。

危機そのものより、危機に慣れてしまうことに警鐘を鳴らす

そんなライブの暴力的な高揚感を想像させながら、この曲は同時に、極めて政治的なテーマを掲げている。

“State of the Union” は、もともとアメリカ大統領が国家の現状を議会に報告する「一般教書演説」を指す言葉である。つまりこの曲は、国家の現状報告そのものをパンクでやってしまう。しかもそれは、報告というより、むしろ警報に近い。

歌詞で描かれるのは、アメリカを「平和と繁栄の旗艦」に見立てながら、その実、船は浸水し、沈みかけているという強烈な風刺だ。

しかも問題は、沈みかけているにもかかわらず、誰も気づかないふりをしていることにある。取り残される乗客のイメージには、権力者の責任放棄と、それによって見捨てられる民衆の無力さが重なって見える。

危機そのものだけではない。危機に対して感覚が麻痺し、それを見ないふりをする社会の姿に、Rise Againstは容赦なく切り込んでいる。

この感覚は、アメリカだけのものではないように思える。今の日本にもどこか通じるものがある。

政治を動かす側だけを単純な悪役として描いて終わらず、射程に入っているのは、むしろ置き去りにされる側の沈黙や無関心でもある。誰かが悪いで終わらせず、自分たちの姿勢まで容赦なく問うてくる。

メジャー第1作の1曲目で、なお曲げない

パンクバンドがメジャーへ進出すると、しばしば “セルアウト” と批判される。規模が大きくなるほど、言葉は丸くなり、角は削られ、主張は無難なものに変わっていく。そう見られやすい。

けれどRise Againstは違った。

メジャー進出後の最初のアルバム、その1曲目に「State of the Union」を置き、自分たちの思想を曖昧にしなかった。むしろ場所が大きくなったからこそ、最初にこれを鳴らす。その選択自体が、ひとつの意思表明になっている。

日本では、メジャー流通に乗るアーティストが、歌詞のなかで明確な国家批判や政治批判を打ち出すことは決して簡単ではない。社会批評が不可能というわけではないが、多くの場合は比喩や抽象表現へと置き換えられやすい。そこには、流通やスポンサーシップを含めたビジネス上のリスクがある。

その意味でも、Rise Againstがメジャー第1作の冒頭でここまで明確な姿勢を打ち出したことには、やはり強い意味がある。場所が大きくなっても、言うことは曲げない。その宣言が、この曲には詰まっている。

アーティスト紹介｜Rise Against
シカゴで結成されたメロディック・ハードコア／パンクバンド。社会や政治への強い問題意識を、激しいバンドサウンドと切迫感のある言葉に変えて鳴らしてきた。2004年の『Siren Song of the Counter Culture』以降も、一貫して社会的・政治的なテーマを作品の中心に据え続けている。

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LUNA SEAの初期の楽曲には、閉ざされた空気感の強い作品が多い。張りつめた温度、簡単には踏み込ませない翳り。だが「WISH」は、他の楽曲と一線を画する佇まいをしている。闇を切り裂き、光で照らすような大きな存在感がある。

メジャーデビューアルバム『IMAGE』に収録された「WISH」は、ベーシストJらしいストレートなアプローチとキャッチーなメロディががっちり噛み合った疾走チューンである。明るいようでいて、どこか切ない。その二面性こそが、この曲の魅力だと思う。

WISHとの出会い

実は、自分がこの曲に出会ったのはかなり遅い。

LUNA SEAとの出会いは小6の頃だったが、当時はまだアルバムを聴く習慣がなかった。中学時代はアルバムを買うと貯めたお小遣いが一瞬で吹き飛ぶので、どうしてもシングル中心になる。

ところが高校に入って、MDコンポという文明の利器を手にしてから状況が一変した。レンタルCD屋で好きなアルバムを借りてきて、丸ごとMDに落とし込み、好きな曲へすぐ飛べる。音の劣化も少ないように感じる。カセットテープとはまるで違う体験で、アルバムという媒体が急に身近になった瞬間だった。

高校生になった98年に遡って聴いたのが『IMAGE』である。このアルバムにはシングル曲が収録されていない。

シングル「MOTHER」のカップリングとして収録されていた「Dejavu」はすでに知っていたが、他は未知のまま聴き進めた。

入り口にある「MECHANICAL DANCE」は割とストレートなロックナンバーですぐ好きになったものの、その先には「SEARCH FOR REASON」「VAMPIRE’S TALK」「SYMPTOM」など、かなりマニアックな曲がずらり並ぶ。初期LUNA SEA特有の、他を寄せつけない空気が濃いアルバムである。

実際、その時点では自分になかなか受け入れ難い音だったと思う。

そんな中で、突然光が差すように最後の最後に現れるのが「WISH」という曲だった。

背中を押してくれるのに、どこか切ない

8ビートのシンプルさで、そのまま突き抜けるアップテンポ。印象的なメロディは惜しみなく出てきて、感触としてはほとんど「全編サビ」である。こんなに開けた曲が、陰鬱な『IMAGE』のラストで待っているとは思わなかった。

とびきり明るくて、パンキッシュで、どこまでもポップ。にもかかわらず、ただ爽快なだけでは終わらない。

「夢みて」「失くしたすべてに」といった歌詞の中にある言葉たちは、希望とともに影も連れてくる。ただ前向きなだけの応援歌でもない気がしている。背中にある傷のことを理解したうえで背中を押してくれるよう。

そこがなお、胸に響く。

この曲は、LUNA SEAが初めてはっきりと彼らの中に内在する「メジャー感」が姿を見せた楽曲だったように思える。インディーズ時代のセルフタイトル『LUNA SEA』にも「Precious...」のように近い感触を持つ曲はあるが、こちらはまだ刺々しい印象が強い。

『LUNA SEA』や『IMAGE』収録の楽曲は、どれもマニアックで、簡単には距離を詰めさせてくれないものが多い。その中で「WISH」は、より多くの人の耳に届く可能性を最初に開いた曲だったのではないかと思う。

仮に、このアルバムが「WISH」の前に収録されている「MOON」で終わっていたなら、印象はかなり違ったはずだ。いや、LUNA SEAというバンド自体が「知る人ぞ知るバンド」のままで留まっていたかもしれない。

そう考えると、「WISH」はLUNA SEAの未来を切り拓いた分岐点のようにも思える。

この「WISH」は、現在もライブの定番曲として鳴り続けている。メンバーにとってもファンにとっても大切な曲ということだろう。

そして私にとっても、この曲は大切な存在である。希望に満ちたサウンドで背中をそっと押してくれる。どことなく漂う切なさで、ふと立ち止まらせてもくれる。どんな気分のときにも寄り添ってくれるその懐の広さに。何度も救われてきたのだ。もちろんこれからも。

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DREAMS COME TRUEやCHAGE&ASKA、Mr.Childrenなど、まずは耳馴染みの良いものから手を伸ばした1994年。自分にとって、音楽に自発的に触れ始めた年である。

動機は単純で、クラスの女友達との話題についていきたかったからだ。

『COUNT DOWN TV』を毎週欠かさず見て、流行りの曲とアーティストをひとつひとつ覚えていった。わずかに色気づいた小学6年生の男子。それが当時の私である。

拒絶から始まったLUNA SEAとの出会い

そんな中で、ある日洗礼を浴びた。LUNA SEAとの出会いである。

「ROSIER」のMVをテレビ越しに見たとき、はっきりと拒絶がやって来た。鋭い眼光、非現実的な出で立ち、異質な空気感、画面の向こうから漏れてくる圧。見てはいけないものを見てしまった感覚に近い。

恐怖心は次にリリースされた「TRUE BLUE」を聴いて幾分和らいだが、10月リリースのアルバム『MOTHER』はスルーしている。そもそも自分に、まだアルバムを聴く習慣がなかったからだ。

95年2月にアルバムからシングルカットされた「MOTHER」を『ミュージックステーション』で知る。久々にLUNA SEAに触れるわけだが、あまりの暗さに受け付けなかった。

「自分には縁のない音楽だ」

「MOTHER」がとどめとなり、LUNA SEAへの扉を閉じたまま、中学入学を迎えることになる。

しかし95年秋、中学生活に慣れ、思春期の感情が尖り始めた頃にリリースされた「DESIRE」を給食時間の放送で耳にしたとき、閉じたはずのLUNA SEAが妙に自然にこちらへ入り込んできた（放送委員ナイスである）。

教室のスピーカーで聴く「DESIRE」は、それはそれは音質がひどかったが、それでも惹きつけられる何かが確かにあった。

その証拠に、週末にはCDショップに駆け込んでいた。あの紫色の幻想的なジャケットに、LUNA SEAの文字が印字されたプラケース入りの「DESIRE」を、なけなしのお小遣いを払って入手した。

つかみどころがないからこそ、深くはまり込む

CDプレーヤーで、「DESIRE」を聴き、熱狂した。来る日も来る日も、「DESIRE」とそのカップリング「LUV U」を聴き続けた。なぜ、純朴な中学1年の男子は、怪しげなこの曲にこうも惹き付けられたのだろう。

43歳の私が、14歳の私にインタビューするように問いかけてみた。

「なんだかよく分からないんだけど、聴けば聴くほど好きになるんだよ」

──14歳の彼は言う。なんだかよく分からないそうなので、おじさんが代弁しよう。

「DESIRE」はいわゆるヴァースで抑えてサビで開けるといったありがちな進行はしない。終始、同じ温度のまま疾走していくような感覚がある。

なんだかよく分からない。そんな素直な感想はこうした楽曲の全体像にあるのではないかと考える。

けれども、随所にフックになるポイントが仕込まれていて、聴き込むほどにのめり込める仕上がりになっている。たとえばサビ中の「恐れない」のメロや、大サビ手前の「Shadows of my LUV」のフレーズなど、やたらと耳に残る。

全体としてつかみどころがない。が、聴き込んでいくうちに深くはまり込んでいく。その感触が実に快感なのである。

また、焦燥感に満ちた世界観もいい。恋に狂う感情と欲望を、音に真空パックしてしまったような危うさがある。バンドサウンドが火花を散らし、情熱的な歌声が駆け抜けていく。

メインコンポーザーが複数いる面白さ

LUNA SEAの面白さは、メインコンポーザーが複数いて、それぞれの色がはっきり違うところにある。「DESIRE」はギタリストSUGIZO作である。

彼の楽曲の特徴として衝動で作るというより、ロックにとどまらない幅広い音楽的バックグラウンドの中から、緻密に計算された音を組み合わせていくイメージが強い。

ポップさやキャッチーさを前に出すのではない分、近寄りがたいのに、いざはまり込むと抜け出せなくなるような曲を生み出す傾向にあると思う。

LUNA SEAに多い、キャッチーな疾走曲とは少し毛色が違うのがこの「DESIRE」。マニアックな設計の曲を、ファストなテンポで走らせていくことで独自の緊張感を作っている。

このアプローチが、当時中学1年だった自分をLUNA SEAに沼らせ、45歳を目前にした今の今まで聴き続けさせるだけの魅力を生んでいるのだと思う。

この曲があったからこそ、ロックにのめり込んだ。LUNA SEAの過去作に触れる鍵にもなった。ヴィジュアル系への偏見も完全になくなり、他のバンドも聴いてみようと思えた。

自分にとって「DESIRE」は、単なる好きな一曲ではなく、音楽の聴き方そのものを大きく変えた記念碑的な一曲なのである。

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The Musicは、ギター4人組のままでクラブミュージックみたいなうねりを鳴らした、2000年代初頭のUKロックの中でもかなり異彩を放つバンドである。

サイケデリックで、ダンサブルで、どこか危うさをまとったサウンドは、流行の一言では片づけきれない魅力を放っていた。とはいえ、2002年のデビュー作『The Music』が出た当時、洋楽を扱うTV番組などでもかなりプッシュされていて、実際に流行っていた感覚があったのも確かである。

その彼らが2008年のアルバム『Strength in Numbers』で鳴らした「Drugs」は、初期の爆発力をそのままなぞる曲ではない。むしろ、熱狂の後に残る渇きや、欲望のしつこさを振り切れない失望を鳴らしたような一曲である。

もともとThe Musicというバンドは、単に踊らせるだけでは終わらない。ダンスグルーヴの快感の奥に、不穏な影をたたえている。「Drugs」は、その影の濃さがよく出た曲だと思う。

快楽を鳴らしながら、その裏側の渇きまで暴いてしまう

あまりにも露骨な「Drugs」というタイトル。しかし、この曲の面白さは、刺激的な言葉でリスナーを煽る点にあるのではない。人間の中にある欲望の正体を、そのまま歌にしているところにある。

欲望は、満たせば終わるものではない。むしろ、一度触れたことでさらに輪郭が濃くなることがある。

「Drugs」というワードが指しているのは、単なる物質そのものというより、もっと広義の依存や渇望なのだと思う。

手放したいのに手放せないもの。
頭ではいけないとわかっているのに、身体がそちらを向いてしまうもの。

この曲は、人間の本能とも言える執着心を真正面から見据えている。

サウンドも実にいい。The Musicらしいグルーヴは健在だが、初期の「The People」のような祝祭感とは少し違う。踊れる感覚は残っているものの、こちらはダークな雰囲気をまとったロックソングとして楽しめる。

身体を動かされるようなリズムでありながら、内側では何かがずっとざわついている。その感触が、抑えきれない欲望の仕組みを歌うこの曲のテーマとよく噛み合っている。快楽を鳴らしながら、その快楽の裏側にある空洞まで響かせてしまうのである。

ロバート・ハーヴェイの声も、この曲ではとても効いている。あのハイトーンは、初期には異様な高揚感を点火する装置として機能していたが、「Drugs」では少し違う。鋭さはそのままに、どこか疲弊や切実さもにじむ。その声が乗ることで、この曲は単なる洗練されたダンスロックでは終わらない。もっと生々しく、もっと人間臭いものになる。

余談▶︎▶︎
初期の代表曲「The People」は、「Drugs」とは趣の異なる良さがあるので、ぜひ聴き比べてもらいたい。

https://note.com/musicjunkie369/n/nec62f3c94051

アーティスト紹介｜The Music
1999年、英ウェスト・ヨークシャー州キパックスで結成された4人組ロックバンド。オルタナティヴ・ダンス寄りのグルーヴを人力で鳴らすスタイルによって、2000年代初頭のUKシーンに強い印象を残した。2002年のデビュー作『The Music』、2004年の『Welcome to the North』を経て、2008年には3rdアルバム『Strength in Numbers』を発表。2011年、夏に日本とイギリスで行われたラストツアーを最後に解散する。2020年には、再結成が告げられ、2022年には地元リーズのTemple Newsamで大規模公演を行い復活を印象づけた。

元記事: note

2000年代初頭に「人力でダンスミュージックみたいな躍動感のある音」を鳴らして、シーンに強烈な印象を残したバンドがThe Musicだ。日本との縁も深く、フジロックには複数回出演してきたので、記憶に刻まれている人も多いだろう。

で、このバンドを聴くなら入り口にぴったりなのが「The People」だ。デビューアルバム『The Music』にも収録されている。

憂鬱な月曜日の朝を、覚醒の入口に変える

歌詞の舞台は「月曜日の朝」の描写から始まる。人によっては最も憂鬱を抱える時間帯。でも見方を変えれば、それは自分の人生を見直すための絶好のタイミングでもある。

The people… change the way you live now

The Music「The People」より

「生き方を変えるならそれは今だ」
──この一行だけで、曲の役割がわかるだろう。

ダンサブルなビートと、現実を飛び越えるようなサイケデリックなサウンドに乗せて、「生き方は自分で選べ」と強烈に背中を押してくれる。これは、覚醒の一曲だと思う。

楽曲には、ちょっといかがわしい高揚感がある。ギターで煽っているのに、身体が勝手に踊る方向へと引き込まれる。ロックの手触りのまま、クラブの推進力だけを持ち込んでくる感じだ。

ボーカルはハイトーンでややクセがある。最初は「ん？」って引っかかる。でも、その引っかかりが“中毒のトリガー”になるタイプの曲でもある。違和感が、気づけば快感に変わっている。

「The People」は、月曜の朝の憂鬱を雑に殴って黙らせる歌じゃない。憂鬱を起点にして、目を覚まさせる歌だ。ただの代表曲ではない、彼らの生きる美学が最短距離で刺さってくる、名刺代わりの一曲なのだと思っている。

余談▶︎▶︎
2008年発表の3rdアルバム『Strength in Numbers』は、また違った表情のThe Musicを楽しめる。未聴の方はぜひ一度触れていただきたい。

https://note.com/musicjunkie369/n/n10a97d2f1a01

アーティスト紹介｜The Music
1999年、英ウェスト・ヨークシャー州キパックスで結成された4人組ロックバンド。ロバート・ハーヴェイ、アダム・ナッター、スチュワート・コールマン、フィル・ジョーダンという編成で、オルタナティヴ・ダンス寄りのグルーヴを人力で鳴らすスタイルによって、2000年代初頭のUKシーンに強い印象を残した。2002年のデビュー作『The Music』、2004年の『Welcome to the North』を経て、2008年には3rdアルバム『Strength in Numbers』を発表。2011年、夏に日本とイギリスで行われたラストツアーを最後に解散した。2020年に再結成が告げられ、2022年には地元リーズのTemple Newsamで大規模公演を行い復活を印象づけた。

元記事: note

最初に「んー、ピンと来ない」と感じた曲に、人生のほうがあとから追いつくことがある。Mr.Childrenの「【es】～Theme of es～」は、そういう一曲だ。

「Tomorrow never knows」の熱狂が冷めない頃にリリースされたぶん、派手な次の一手を期待すると肩透かしを食らう。
※厳密には『everybody goes -秩序のない現代にドロップキック-』のリリースが、間にあった（ツッコミ回避用）。

けれどこの曲は、打ち上げ花火じゃない。湿った地面に落ちて、静かに染みていく雨だ。すぐに理解できない代わりに、時間をかけて身体の奥に根を張っていく。

人生観と重ね合わせながら味わえる一曲

小6のとき「innocent world」と「Tomorrow never knows」に衝撃を受けた。その流れで中学入学直後にリリース情報を得たこの曲に、私は大きな期待を寄せていた。

しかし、聴いてみるといまひとつピンと来ない。
今になればわかる。それはたぶん健全な反応だったのだと思う。

パッと華やかな曲ではない。自分の人生観と重ね合わせながら繰り返し聴くうちに、暗さの中に問いを見つける。さらに長い年月をかけて、答えを模索しながら共感を深めていく。そういう曲だ。

歌い出しはアコースティックギター一本。そこへバンドの音とストリングスが少しずつ重なり、曲はゆっくり陰影を作っていく。淡々とした語り口が心に滲むのは、言葉がやさしいからじゃない。むしろ現実的だからだ。生き方を断定しないまま、逃げ道をしっかりと塞いでくる。

そしてサビで視界が開く。

「何が起こっても変じゃない そんな時代さ 覚悟はできてる」

Mr.Children「【es】～Theme of es～」

この一節の強さは、後追いで聴くほど増していく。

この曲は「制作の最中に阪神・淡路大震災が起きたことが強く影響している」と語られている。歌詞がないままプリプロに入り、震災の約10日後に歌詞が完成したという流れまで含めて、この曲にこめられる“感情の生々しさ”は偶然ではない。

淡々と流れるロードムービーみたいな曲が、突如牙を向く。Cメロで桜井和寿が、荒々しく唄でまくし立てる。

溜め込んだ感情にブレーキをかけず、本能の赴くままに歌っている感じがする。初めて触れたときは、衝撃的な展開が受け入れがたい。けれど、時間が経つほど「あれがないと、この曲は成立しない」と思うようになる。

タイトルの「es（エス）」は、人間が生まれながらに持つ本能や衝動を指す言葉だ。理屈や道徳の前にある、無意識の衝動の貯水池。その水位が一気に上がって決壊するみたいな瞬間を、あの怒れるCメロで表しているように聴こえる。

だからといってこの曲は、「理性に頼って生きる」ことを否定しない。ただ、それだけだと、自分が空っぽになる瞬間があることも知っている。

「いかに理性と衝動のバランスを取るか」──自分が自分の人生を歩むうえで、そんなことを問いかけられている気がするのだ。

余談▶︎▶︎
ミュージシャンであるハシグチカナデリヤさんの、esのギターに関する考察がめちゃくちゃ面白い。田原さんの主張しないギタープレイが、いかに楽曲の雰囲気を形作るために貢献しているのかがわかる。

こちらもぜひ。

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