Medium Buildは、アメリカ・ジョージア州マリエッタ（アトランタ北西の郊外都市）で育ったニック・カーペンターによるソロ・プロジェクトだ。2015年に活動を開始し、現在はアラスカ州アンカレッジとテネシー州ナッシュビルの二拠点で制作を続けている。

教会音楽を原体験に、80年代ニューウェーブ、90年代ヒップホップ、クラシック・カントリー、エモといった雑多なルーツを飲み込みながら、自らの音楽を「都会の子供たちのためのカントリー」「インディー系クィア（性的少数者）の子供たちのためのソウル・ソング」と呼ぶ。

2025年にはアメリカーナ・オナーズ＆アワード（アメリカーナ音楽の年間表彰）で最優秀新人賞にノミネートされ、エルトン・ジョンやボーイジーニアスといった名前からも支持を集めるなど、いまもっとも勢いのあるライジング・アクトのひとりだ。

「takeaways」はslowplay / Island Recordsからリリースされた、従来のアルバムとは異なるプロジェクトである。2024年から2025年にかけて段階的に楽曲が追加されていく「生きた文書」という形式をとり、当初の3曲から10曲以上へと拡張された。

過去の自主制作盤（「softboy」「roughboy」「Wild」など）に収録されていた楽曲を再構築し、新曲と並べて提示する。サウンドは「加工しすぎていない」ロー（生）で親密なインディー・フォーク。デモや即日録音のような、磨きすぎない誠実さがそのまま残っている。

ニック本人は「観客との境界線が非常に薄い場所」と表現しており、その言葉どおり、聴き手との距離感が異様に近い。

まず取り上げたいのが「R3verse」。

2015年のEP「Roger」に収録されていた「Reverse」を再録したもので、物語が巻き戻されるように出会いの瞬間へと遡っていく構成を持つ。原曲に比べてサウンドには重みが加わり、年月のあいだに積もった生活と喪失の気配が、歌声の吐息や間合いに滲んでいる。

歌詞は「終わることを予感しながら踏み出す初対面の夜」を描き、「gracefully uncomfortable（優雅な居心地の悪さ）」という矛盾した感覚のなかで、救いを求める衝動と現実の虚しさが交差する。過去の楽曲を現在の真実として語り直すというプロジェクトの精神を、一曲で体現している。

もう1曲は「Downtown Theater」。ニックが長年温めてきた楽曲で、ライブでも親しまれてきた一曲だ。声とピアノ、ギターを主体にした剥き出しのフォーク・スタイルで、装飾はほとんどない。

温かみがあるけれども、どこか物悲しいメロディーが感傷的な気分を誘う。

というのも歌詞にはジェントリフィケーション（都市の高級化にともなう再開発）によって映画館やダイナー、さらには父親の家までが取り壊されていくといった、切ない光景を描かれているのだ。

物理的な喪失から、人生の無常観──自分が去った後、誰かが覚えていてくれるだろうかという問いへと静かに移行していく。アルバムのなかではセルフ・スージング（自己鎮静）のような役割を担い、深い内省の色を添えている。

過去を壊して建て直すのではなく、そっと並べ直す──「takeaways」はそんな手ざわりの作品だ。

https://music.apple.com/jp/album/takeaways/1884444861

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little imageは、テキサス州ダラス出身の3ピース・バンド。ジャクソン・シモンズ（ボーカル／ギター）、ブランドン・ウォルターズ（ベース／シンセ）、トロイ・ブルーナー（ドラム）──高校時代にInstagramと共通の友人を介して出会った3人が、2015年に結成した。

Radiohead、Cage The Elephant、Phoenixをルーツに持ち、オルタナティブ・ポップとインディー・ロックの境界を行き来するサウンドを築いてきた。2023年のシングル「OUT OF MY MIND」はオルタナティブ・ラジオ・チャートで全米1位を獲得。Panic! At The Discoのツアーサポートにも抜擢された。現代のオルタナティブ・シーンにおいて、最も勢いのある若手バンドのひとつだ。

『KILL THE GHOST』は2026年3月27日にHollywood Recordsからリリースされた全14曲のオルタナティブ・ロックアルバム。高校時代の自主制作盤『Musings』（2017年）、メジャーデビュー盤『SELF-TITLED』（2023年）に続く通算3枚目のフルアルバムにあたる。

前作がシンセサイザーを軸に据えていたのに対し、今作ではギター主体のサウンドへ回帰。歌詞の面では、自己疑念を克服し、癒やしや回復、誠実さを追求する変容の物語が描かれている。バンドの新たな黄金時代を示す一枚だ。

おすすめの楽曲としてまず取り上げたいのが4曲目の「NOVOCAINE」だ。アルバム全体に漂う「緊張感」を端的に体現する楽曲で、2025年5月に先行シングルとしてリリースされ、彼らのサウンドの新時代を印象づけた。

（RadioheadのKiller Carsのオマージュみを感じるMV）

ギター主体の編成を軸に、感情の起伏をダイナミックに描き出す構成。

歌詞を通じて、内面の葛藤や絶望からの逃避が綴られる。ノボカインとは局所麻酔薬のこと。「痛みを解決するのではなく、麻痺させて逃げたい」という切実で人間らしい願望が綴られる。

──その衝動を、張り詰めたギターのテンションが音として裏打ちしている。

7曲目に置かれた「DEFCON」もいい。アルバム中盤に置かれた、「催眠的な不安」を探求する一曲だ。タイトルはアメリカ軍の防衛準備態勢（Defense Readiness Condition）を示す略語で、精神的な緊急事態を暗示している。

早朝にコーヒーを淹れ平静を装うものの、押し寄せる時間に追われながら「これはただの夢なのか？」と自問自答する──歌詞には、日常に適応しようとしながらも焦燥感に飲み込まれていく様子がありありと描かれる。

こちらもギターを中心に据えるサウンドで、焦りを徐々にエスカレートさせるように設計されている。

麻酔で痛みを遮断したい衝動と、夢と現実の境界で焦り続ける朝。自分の中にあるネガティブな感情の息の根を、自分なりの方法で止めていこうという意志が感じられる。

『KILL THE GHOST』は自分の内側に棲みついた幽霊──つまり自己疑念や恐れ──を殺すための14曲だ。

https://music.apple.com/jp/album/kill-the-ghost/1868537593

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Kiluは、ロンドン・ハックニーを拠点とするソロ・アーティスト。

幼少期にフランス系学校へ通い、フランスにも4年間暮らしたバイリンガルで、2021年末頃から独学で音楽制作を始めた。

歌、ギター、ピアノ、プロデュースをひとりでこなすマルチ奏者であり、父親の影響で聴いたRadioheadやColdplayをルーツに挙げる。

実際、楽曲を聴いてみると、たしかにRadioheadの影響は色濃く感じられる。個人的には『The Bends』の質感が強く出ている印象を受けた。

名門レーベルRegalが再始動した後、はじめて契約したアーティストとして、現在注目を集めている。

『PRINT』は2026年3月にリリースされた、Kiluの初EP作品だ。

アコースティック・ギターやピアノ、ソフトなドラムを基調としたシンプルで剥き出しのプロダクションに、吐息混じりのはかなげな歌声が乗る。

これまでのギター中心のサウンドからバンド編成を意識したエネルギーへの進化を遂げた、新しい時代の幕開けと位置づけられる一枚だ。

お気に入りの楽曲①「marry me to dopamine」

催眠的で反復的な構造が、ドーパミンのサイクルそのものを体現するかのような楽曲だ。

快楽への依存と、その裏に潜む虚無感を描いた歌詞は、エネルギッシュな出だしから静かなアウトロへと収束していく展開の中でじわじわと効いてくる。

お気に入りの楽曲②「how did they know」

こちらはKilu自身が「新しい章への飛躍」と語り、かつて「隠れた名曲」として自分のプレイリストに入れていたほど愛着を持つ一曲。

他者との繋がりや愛を問いかける歌詞に、バンドサウンドを意識したアレンジが重なり、EPの感情的なクライマックスを作り上げている。

まだ荒削りな部分もあるが、その剥き出しの感性に触れられる体験こそKiluを聴く大きな価値だ。

https://music.apple.com/jp/album/print/1881640712

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Shorelineは、ドイツ・ミュンスター出身の4人組エモ・パンクバンド。

• Hansol Seung　ボーカル・ギター

• Julius Hecht　ギター

• Martin Reckfort　ドラム

• Christoph Overhoff　ベース

2015年に地元のDIYパンク／ハードコアシーンから生まれた。

初期はNOFXやThe Flatlinersのような高速メロディックパンクを目指し、やがてThe MenzingersやTouché Amoréと比較されるサウンドへと進化。

2023年にはヨーロッパのバンドとして初めてアメリカの大手レーベルPure Noise Recordsと契約。

シーンの主要プレイヤーとしての地位を固めつつある。

『Is This The Low Point Or The Moment After?』は2026年3月にリリースされた、バンド4枚目のフルアルバム。

全10曲・約30分という凝縮されたボリュームの中に、人生のどん底と、その後の回復への転換点を描くコンセプトが一貫して流れている。

キャッチーなメロディと激しいリフが魅力。

メジャーレーベルに頼りきりになるのではなく、自力で音楽活動を行うDIYパンク由来の生の感情が同居する。

お気に入りの楽曲①「Brittle Bond」

明るいギターラインと弾むようなベースリフが印象的で、多感な時期に築いた友情が時間とともに別々の方向へ流れていく様子を描いている。

内省的でありながらエネルギーを失わない、アルバム前半の空気を体現した一曲だ。

お気に入りの楽曲②「Forgive（feat. Joe Taylor）」

静かな導入からブリッジを経て爆発的なサビへと向かうドラマティックな構成で、Hansolの掠れるようなシャウトとの調和が見事だ。「自分が間違っていた、許してほしい」と切実に訴えかけるエモ特有の脆弱性と誠実さが全面に出ている。

アルバムの感情が絶望から希望へと切り替わる、重要な転換点となる一曲だ。

どん底を直視しながら、それでも一歩先へ踏み出そうとする意志が全編に満ちている。

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Anjimileは、テキサス州ダラス郊外出身のシンガーソングライター。

マラウイ出身の両親を持ち、幼少期から父親の車でOliver Mtukudziを聴いて育った。ボストンのインディーシーンから頭角を現し、2021年に名門レーベルと契約。

インディー・フォーク、アート・ポップを軸に、クィア／トランスとしての自己と依存症からの回復を誠実に音楽へ昇華させてきたアーティストだ。

『You’re Free to Go』は2023年の『The King』から約3年を経て、2026年3月にリリースされた。

Waxahatchee、Bon Iverを手掛けたグラミー賞受賞プロデューサーのBrad Cookを迎えた本作は、前作の緊迫感や怒りとは対照的に穏やかで親密。そして内省的なサウンドが全12曲を貫いている。

温かみのあるアコースティック・ギター、繊細なシンセのテクスチャー、豊かなストリングスが重なり、静かなカタルシスへと誘う。

痛みや喪失を経て、再び愛を信じていくプロセスが、このアルバムのテーマだ。

お気に入りの楽曲①「You’re Free to Go」

恋人と川へデートに行った際の体験から着想を得た楽曲だが、歌詞が向き合うのは内面的な解放だ。

「That’s enough（十分だ）」という言葉がサビで繰り返される。

過去の苦しみや執着を断ち切り、自分自身に自由を許すプロセスが静かにループする。

終盤の「Am I free to go?」という問いかけは、やがて自分という本来の場所へ帰り着く。安らぎへと向かっていくような、とろけるように甘いコード進行の奥に、深い自己受容が刻まれている。

お気に入りの楽曲②「The Store」

Anjimile本人が「アルバムで一番好きな曲」と語る作品で、私もこのアルバムから1曲だけ人に勧めるならこの曲を選ぶ。

「私の人生はあなたの手の中にある」という全面的な委ね、「出会う前からあなたを知っていた」という運命的な結びつき。

そして終盤には「悩みを打ち明けたら、あなたはすべてを差し出してくれた──だから私もすべてを手放した」とある。

執着を手放すことでしか辿り着けない場所がある。初期のModest Mouseを彷彿とさせる飾らない生々しさの中に、静かな確信が宿っている。

https://music.apple.com/jp/album/youre-free-to-go/1860276153

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Girl Scoutは、スウェーデン・ストックホルム出身の3人組インディーロックバンドだ。エマ・ヤンソン（ボーカル・ギター）、ペル・リンドバーグ（ドラム）、ケヴィン・ハムリング（ギター・ベース）の3名によるトリオで、メンバー全員がストックホルム王立音楽院でジャズを学んでいた際に出会っている。

バンド自身は自分たちの音楽を「バブルグランジ」と呼んでいる。バブルガムポップのキャッチーなメロディと、グランジの歪んだギター・生々しい感情表現を掛け合わせたマイクロジャンルだ。

『Brink』は3枚のEPを経て2026年3月にリリースされた、バンド初のフルアルバムだ。ギター主導のサウンドに繊細さと輝きが同居し、終末的な不安とノスタルジーが交互に顔を出すような歌詞の世界観が全13曲を通じて一貫している。

特に印象的な1曲が「Dead Dog」。日常のさりげない感覚と、死や終わりを匂わせるメタファーが同じ温度で並んでいる。フォーク調として書き始められ、何度も形を変えて今の姿に落ち着いたという一曲だ。

もう1曲は終盤12曲目の「Homecoming」。バンド自身が「これまで書いたどの曲とも似ていない」と語るほど独自の世界観を持ち、ドラマチックな展開でアルバムの締めくくりへと感情を引き上げていく。

NMEやローリング・ストーン誌など海外メディアからの評価はすでに高い。日本ではまだ知名度は低いが、押さえておきたいバンドのひとつだ。

https://music.apple.com/jp/album/brink/1856965488

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札幌駅の5階にあるHMVで、何気なく視聴用のヘッドフォンを取った。

「あー新作出てたんだ、Thirty Seconds to Mars」くらいの軽い気持ち。すると、不思議なシンセが耳に飛び込み、囁くように歌が始まる。前作でも感じていたけど、とてもセクシーな歌声だ。

……と思った次の瞬間、コーラスセクションで楽曲が強烈に熱を帯びて、殴られるような衝撃を与えてくる。これがアルバムのリードトラック「Attack」との出会いだった。

今なお「洋楽で一番好きな曲は？」と問われたら、迷わずこの曲を挙げる。

最強の武器を手に入れ、世界に放たれた2ndアルバム

私にとって衝撃の出会いを果たした2ndアルバム『A Beautiful Lie』は、2005年8月30日にVirgin Recordsからリリースされた。俳優業が多忙なフロントマン、ジャレッド・レトのスケジュールに合わせ、3年をかけて4大陸5カ国で録られたという制作背景を持つ。規格外のスケールのでかさだ。

ハリウッド俳優として何本も主演・助演を務めながら、バンド活動でここまでの完成度の作品を叩き出す人間を、正直ほかに知らない。

そもそも1stアルバムも、マニアックながら“宇宙”という漠然とした世界を音で描き切る佳作であり、バンド自体も気になる存在だった。とはいえ、やや複雑な展開と掴みどころのないメロディに、手放しで「大好き」と言い切れない部分があったのも事実だ。

しかし本作では、彼らは「強いメロディ」という最強の武器を手に入れてしまった。そこにオルタナの硬質さ、エモの熱量が混線しながら、ハードでいて、美麗な世界が展開される。当時主流だったニューメタルやスクリーモとわずかに親和しつつも、決定的に肌触りが違う。尖っているのに、アンダーグラウンドな香りより、開けた空気感の方が優位だ。前作でも表現されていた宇宙的な音が交わる。

火蓋を切る「Attack」は、まさに点火装置。リスナーの心に火をつけるにはもってこいの、情熱的な空気をまとっている。でも本作の凄さは「導入が強い」だけじゃない。以降の楽曲も外さない。いわゆる捨て曲なしのアルバムなのだ。

彼らの代名詞とも言われる人気曲「The Kill (Bury Me)」は、他人との争いではなく「自分自身との内戦」がテーマ。自分の中の批判的な声と、真正面から殴り合うような歌だ。

ジャレッド・レトは映画『チャプター27』（2007年）でジョン・レノン殺害犯を演じる際、役作りのため30キロ以上増量したという。
出典：Jared Leto in ‘Chapter 27’ - Los Angeles Times

その常人離れしたストイックなエピソードを知っていると、この曲の「自分に容赦しない感じ」に変な説得力が出てくる。

シングルカットされた「A Beautiful Lie」や「From Yesterday」ももちろん素晴らしい。でも自分のフェイバリットは、4曲目「Was It a Dream?」から5曲目「The Fantasy」への流れ。ここが最高だ。

「Was It a Dream?」は、アルバム中いちばん“まろやか”な印象がある。上質なシルクに包まれるような手触りで、夢の中を漂うようにゆらゆら進んでいく。

とある人物との関係が、あとから思えば夢だったみたいに感じる。残っているのは、二人で撮った写真だけ。そんなミステリアスな映画の導入を思わせる歌詞世界と、この曲の幽玄な音の質感が強くリンクしている。

曲のコンセプトからMVに至るまで、映画的な要素が取り入れられている曲が多いのも彼らの魅力。俳優というフィールドでも活躍する彼ならではのアプローチなのかもしれない。

「音に殴られる」感覚から、「背中を押される」感覚へ。

5曲目の「The Fantasy」は作品中もっともアグレッシブな一曲。バンドのラウドで攻撃的な顔が一段濃くなる。力強いリズムが楽曲を牽引し、強烈な疾走感を演出する。ドライビングな一曲だ。

この曲が描く“Fantasy”は、決して触れられない幻想じゃない。自分自身が切望する世界で、行動しだいで辿り着ける「ここではないどこか」だ。自己実現のために揺るぎない意志を持てと、力強く歌われている。その強さが、ラウドな音になって胸を突き刺す。

淡々としたアコースティックギターの音色を基調として、しめやかな雰囲気で進んでいくラストトラック「A Modern Myth」も、メッセージの強度が果てしなく強い。タイトルの「現代の神話」とは、きっと現代を生きる多くの人が「自分を納得させるために自分に嘘をつく」ことだ。その嘘を受け入れるほど、知らないうちに自分を世間体という型に押し込め、不幸にしてしまう。

だからこそ、この曲は「自分を解放して、自分と周囲を幸せにするために、これまでの自分に別れを告げよう」と歌っているように聴こえる。そして終盤の「Goodbye」の連呼。ヴィオラ、バイオリン、チェロ、コントラバスといったストリングスの響きと相まって、あまりに生々しい。

アルバムの最後で心を強く鼓舞してくる。

「自分を超えていけ」というメッセージとして受け取った。そうしてアルバムは静かに幕を下ろす。美しい余韻を残して。

困難に挑む勇気を、確かにもらえる一枚だ。
俳優とアーティストの二足のわらじを高次元で履くジャレッドだからこそ、無責任な言葉ではなく、説得力あるメッセージとして響く。こちらの背中を力強く押してくる。

2026.3.27『A Beautiful Lie』 20周年記念版リリース

そして2026年3月27日、『A Beautiful Lie』は20周年記念盤として帰ってくる。本作のために書き下ろされたという新曲『God’s Eye』は既に公開済みだ。

この曲に加え、20周年盤には「The Kill (Acoustic)」や当時のセッションから掘り起こされた未発表曲が収録されるという。
出典：Thirty Seconds to Mars drops ‘God’s Eye’ from ‘A Beautiful Lie’ 20th anniversary reissue | ABC Audio Digital Syndication

「Goodbye」のリフレインで幕を下ろした名盤の次のストーリーが、20年越しに動き出そうとしている。

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アーティスト紹介｜Thirty Seconds to Mars
1998年ロサンゼルスで、俳優としても活動するジャレッド・レトとシャノン・レト兄弟が結成。2002年のデビュー作『30 Seconds to Mars』は、宇宙的コンセプトと重厚な音響で注目を集めた。2005年『A Beautiful Lie』で、より個人的で感情に訴えるエモ寄りのサウンドへと舵を切り、全世界で500万枚以上を売り上げる大ブレイク。以後、スケール感あるロックを武器に存在感を確立していく。

昨年、Guniw Toolsというバンドにハマった。90年代に活躍していたバンドで存在自体は知っていたが、当時は金銭的な制約もあって、なかなか聴く機会に恵まれなかった。

サブスクが便利な時代だ。今さらながら、ドラえもんの秘密道具みたいだなと思う。そこからGuniw Tools周辺の音楽を辿っていくうちに、初期に在籍していたギタリストJakeの音源として、この4曲入りのライブ録音に行き着いた。

「音が鼓膜を揺らす」感覚から、「音世界に身を委ねている」感覚へ。

リアルタイムでの多重演奏を叶えるルーパーを駆使して生み出される、静かな音響の風景。これは単なるギター独奏ではない。音で“時間”をゆっくりと描き出すライブ録音だ。

重ねられたフレーズは層となり、独奏とは思えない奥行きと広がりを生む。深く聴き込むほど、「音が鼓膜を揺らす」感覚は薄れていき、かわりに「音世界に身を委ねている」感覚が濃くなっていく。

ギターアンプすら用いず、最小限の機材で披露されたこのライブ。しかし、音像は驚くほど豊かだ。音数の少なさは制約ではなく、想像力を開く余白として機能している。

お気に入りの楽曲Earthscape

いちばんのお気に入りはアンビエントな「Earthscape」。

ゆったりと空気が流れる癒しの調べが心地よく、曲が進むほど夜空に包まれたようなリラックス感が深まっていく。

演奏にも荒がない。サウンドへのこだわりと技術の高さを、耳が先に理解してしまう。曲の終わりに起こる拍手の音を聴くまで、ライブ音源だったことを忘れてしまうほど、雑念を捨てて没入できる。

静かに思考を沈めたい時間に、そっと寄り添ってくれる作品だ。

アーティスト紹介｜cloudchair（Jake）
北海道出身のギタリスト。Guniw Tools、Super Soul Sonicsを経てソロプロジェクトcloudchairを始動。その後はBUCK-TICKの櫻井敦司らとTHE MORTALでも活動。空間的なアプローチからテクニカルなプレイまで幅広く聴かせる。

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